Noè Rodrigo Gisbert presenta su primer disco con el sello Ibs Classical.

Joan Gómez Alemany
13 abril 2024
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Alberte Peiteavel

El percusionista valenciano Noè Rodrigo Gisbert[1] (1992) nos presenta su primer disco monográfico en el reconocido sello IBS Classical[2]. Con título Paraules (en castellano "palabras"), reúne una buena muestra de siete compositores y compositoras de música contemporánea, que nos dan un panorama muy diverso de las estéticas de las últimas décadas. Acompaña el disco un extenso e interesante libreto escrito por el reconocido crítico musical Paco Yáñez[3].

El disco se inicia con la obra más antigua y ya "clásica" de Xenakis (1922), titulada Psappha (1975), mientras que la más reciente es la de la compositora Silvia Borzelli (1978), titulada Wooden (2015). Otros nombres que encontramos son un nuevo "clásico de la música contemporánea" como es Edison Denisov (junto a Xenakis el único compositor fallecido de este CD) y otro clásico (esta vez vivo) como es Salvatore Sciarrino. Pertenecientes a una generación no tan tardía, estarían Bruno Mantovani y dos compositores del estado español como son el madrileño Polo Vallejo y el zaragozano Jesús Torres.

Para el lector que no conozca al protagonista del disco, Noè es un joven percusionista especializado en música contemporánea, que está realizando un formidable trabajo no solo en el campo de la interpretación, sino también en el de la gestión cultural y la investigación. Noè es co-director artístico del Arxis Ensemble[4], pero también conocemos su proyecto aún en desarrollo junto al compositor Ramon Humet. Ambos están trabajando en un bello instrumento construido con láminas afinadas de alabastro, que el compositor mostró en una reciente conferencia a la que acudimos en el Festival Mixtur 2023. Por ello, el percusionista no es el típico músico de atril encerrado en la Academia, sino una persona curiosa y despierta que se mueve mucho por diversos ámbitos de la música.

Pau Rodrigo

Palau de la Música Catalana. 2016

Con Paraules, el percusionista originario de Altea, nos demuestra en su disco su gran versatilidad, ya que puede reunir obras muy diversas entre sí y de diversas estéticas. De todas formas, el CD no es una mezcla inconexa de obras, sino que las diversas composiciones trazan arcos entre sí. Ya sea por sus instrumentaciones similares, o por el concepto que da título al proyecto discográfico. Aunque en nuestra opinión Paraules funciona como una metáfora poética que reúne las diversas piezas de manera general, es cierto que podemos concretar algunas ideas que se irán viendo en muchas de las obras. Como es obvio, aquello derivado de la palabra, como es el lenguaje, lo vocal y la concepción de una visión humanística-científica del ser humano, único animal que tiene el don de la palabra.

La primera composición del presente CD, es Psappha de Iannis Xenakis, una obra de repertorio casi obligada para todo percusionista que se interese en la música contemporánea. Con ella el percusionista, en este caso Noè Rodrigo, no solo interpreta una composición para multipercusión con la que manejar diversos timbres (maderas, membranas y metales) en una compleja estructura, sino que también se propone el reto de leer una notación especialmente diseñada para esa pieza. Ello resalta ya primeramente la concepción de Noè Rodrigo que va más allá de la percusión tradicional, para atreverse al mundo de lo diferente, es decir, de la música contemporánea frente a la omnipresencia del repertorio tradicional y conservador. Pero Psappha no es tampoco una obra radical de la vanguardia más extrema, en ella (como leemos en el libreto) se «inspiran la unión de lo arcaico y lo moderno, de sensualidad y violencia». En Psappha (y en general en la música de Xenakis) parafraseando a Nietzsche, podemos escuchar tanto el espíritu apolíneo como el dionisíaco. Noè Rodrigo con este inicio de disco nos presenta una interpretación brillante de la obra más canónica de este CD, invitándonos a escuchar la música desde el rigor y el trabajo consciente, pero a su vez, con contraste y diversidad. Porque el diálogo y la curiosidad, es lo que Noè Rodrigo nos hace explorar en su disco Paraules.

Xurxo Gómez-Chao

Fundación Luis Seoane. Festival RESIS 2021

Frente al gran atavismo y la sonoridad algo espartana de Psappha, contrasta fuertemente la languidez y sinuosidad de la siguiente obra del disco, Il legno e la parola de Salvatore Sciarrino. Nos parece muy interesante este choque entre dos estéticas que sería exagerado calificar de contrapuestas, pero que aunque ambos compositores vengan de la tradición mediterránea, cada uno bien representa un mundo sonoro muy particular. Ello sin duda lo refleja Noè en sus interpretaciones, buscando un sonido muy percutido y directo en Xenakis, mientras en Sciarrino la suavidad y la resonante mezcla, predominan. No es casualidad que Il legno e la parola sea para marimba, un instrumento con un timbre muy acogedor y poroso, como es lo habitual en la madera. Como es frecuente en el estilo de Salvatore Sciarrino, en sus composiciones, los recursos sonoros son limitados (o muy limitados), para poder explorar por medio de la repetición y la variación un vocabulario que gira sobre sí mismo. Así consigue su característica y fascinante hipnosis sonora. Il legno e la parola sigue esta estrategia. Además, su clara construcción motívica y fórmulas recurrentes, provoca que estas se parezcan a palabras (como nos indica el título, tanto de la composición como del disco). No es de extrañar que Sciarrino sea uno de los referentes de la ópera actual y que en mucha de su música instrumental, podemos observar los gestos vocálicos que utiliza en su escritura para cantantes. Esta obra para marimba no es una excepción, y aunque obviamente no oímos una voz clara, sí que está presente en su ausencia. Así mismo nos lo dice el compositor, como podemos leer en las notas del disco: «Sciarrino nos dice que "un instrumento de percusión de madera difícilmente puede cantar", pero al mismo tiempo se pregunta si no podrá hablar, gritar, gemir o murmurar».

Parece que Edison Denisov al presentarnos Schwarze Wolken trabaja con el vibráfono su lado más vibrante y colorista, por medio de diversas texturas que van del puntillismo (con claras reminiscencias a una textura postserial, como acertadamente escribe Yáñez en las notas), a los constantes trémolos entre notas cercanas (lo que produce vibrantes disonancias) y claras armonías a veces incluso sucesivas (que recuerdan algo las texturas debussystas o las harmonías al estilo Messiaen). Esta brillante paleta bien parece pintar en sonidos las nubes de un pintor impresionista (como Claude Monet o Pierre-Auguste Renoir) o un paisajista inglés (como John Constable o J. M. W. Turner). Aunque parezca contradictorio, en nuestra opinión no escuchamos unas nubes "negras" como las que pudo pintar Francisco de Goya en El coloso o las tensas y estridentes nubes pintadas por Edvard Munch. Tal vez el adjetivo de negro más bien habría que interpretarlo desde un punto de vista melancólico, una característica que sí se puede escuchar en esta obra, como en otras del compositor ruso. Denisov viniendo de un lenguaje serial o postserial (fue un compositor promocionado en Europa por Pierre Boulez), es capaz de infundirle al sonido un gran humanismo. Schwarze Wolken es una buena muestra de ello, porque bajo el rigor de una técnica sólida, se encuentra una reflexiva y meditativa alma.

Si la obra de Silvia Borzelli, Wooden, se compone también exclusivamente de la sonoridad de la madera, como la pieza de Sciarrino, encontramos aquí una aproximación muy diferente. La compositora que recurre al «timbre de la madera por medio de una marimba, un log drum y una caja china» no construye Wooden por medio de las alturas fijas, como claramente hace Sciarrino. Por contra, su componente tímbrico se acerca a una sonoridad indeterminada (típica del gesto percusivo) frente a la vocalidad armónica del canto, que Sciarrino presenta claramente en su Il legno e la parola. A su vez, esto remite en la obra de Borzelli a una estructuración de los sonidos algo minimalista en claros ostinatos repetitivos, que hace recordar su pieza a ciertos fragmentos de la obra Timber, compuesta por Michael Gordon (un  compositor calificado a veces como postminimalista). Vemos que a diferencia del humanismo de Sciarrino y su parola, tanto Borzelli como Gordon en su título, ya demuestran su interés más bien formal, constructivo o matemático, resaltando el componente científico y acústico del sonido, fuera de todo ropaje espiritualista. La composición Wooden es interpretada por Noè con gran precisión, pudiendo escuchar muy claramente cada rápido batimento de manera muy precisa y exacta.

Alberte Peiteavel

La composición de Polo Vallejo, inspirada en la percusión africana, sorprendentemente se titula con una palabra latina, Tactus (2005-06). Un concepto del que deriva nuestra palabra "tocar", y con la que (dicho de manera general) durante la Edad Media se indicaba el pulso o más concretamente el compás. Tal vez Vallejo, que además de compositor es etnomusicólogo, quiere resaltar los aspectos interculturales de la música o las gramáticas comunes (como son el pulso o el compás) de las culturas sonoras del mundo. Curiosamente en su set-up de membranas, constituido por cuatro congas y dos bongos, su sonoridad ritual, cíclica, y con una percusión muy marcada y pulsada, recuerda mucho la obra de Xenakis. De hecho, estas son las únicas dos piezas de este disco que recurren a esta tímbrica (aunque la de Xenakis la amplíe a multipercusión), alejándose de las otras piezas que se centran más en "instrumentos de teclado" para percusión (como el vibráfono y la marimba), si exceptuamos la obra de Borzelli, a camino entre estas dos propuestas: una ritualística que potencia la sonoridad percusiva e indeterminada, otra más melódica con alturas fijas que construyen claras armonías y melodías. Vallejo presenta una interesante pieza muy rápida que como tiene conexiones con la obra de Xenakis, en este contexto discográfico podemos apuntar que la Grecia clásica no fue una cultura pura de blanco mármol y gente aria (como la ideología posterior del neoclasicismo al fascismo quiso imponer), sino un mundo híbrido y mestizo, donde las culturas más diversas se mezclaron. La música de Vallejo respalda el sincretismo cultural, y nos ayuda a entender y a potenciar la ruptura de fronteras fijas y esencialistas. Una idea que el mismo Paco Yáñez remarca al titular bellamente su texto Tiempos y poéticas de una percusión transcultural.

La obra de Bruno Mantovani, es en nuestra opinión la pieza menos interesante del CD, dado su gran conservadurismo. No nos extraña de un compositor que fue durante nada más y nada menos que diez años (2010-2020) director de una institución tan conservadora (e incluso rancia) como el CNSMD de París. Su pieza con título (tan poco original) como Moi, jeu..., se podría traducir por "Yo, juego..." o más exactamente "Yo, toco...". Utilizar el pronombre singular de primera persona como palabra primera de un título, es siempre un estrategia bastante egocentrista, si no fuese un gesto irónico (al estilo Satie). Pero no parece ser el caso, viniendo de alguien con una "reconocida y brillante carrera" como es la Mantovani (donde podemos destacar que en 2016 fue Chevalier de la Légion d'honneur y en 2017 miembro de la prestigieuse Académie des beaux-arts de La France), si la comparamos en sus mismos términos con la "fracasada y amateur carrera" de Erik Satie, de quien ahora mismo estamos leyendo un grandísimo libro suyo donde podemos leer unas frases tan inteligentes como: «Cuando más conozco a los hombres, más admiro a los perros[5]» o «La Opera & el Louvre tienen algo de frigorífico & de osario. Algunos artistas quieren ser enterrados vivos[6]». Pues la obra de Mantovani (previsiblemente) utiliza la marimba en su aspecto más convencional. Se inicia con un trémolo dal niente que va hacia un fortísimo acorde, un gesto muy efectista y cliché, al viejo estilo "redoble de platos". Era de esperar que la obra se construyese a partir de células (al estilo clásico) y que estas se desarrollasen principalmente en el registro central de la marimba, junto a la realización de varias rápidas escalas, arpegios y otras técnicas de la típica pieza virtuosística de concurso. Todo dentro de las técnicas más estándares de la marimba, no sea que el percusionista tenga que investigar, explorar, y tal vez se vuelva un rebelde. Floreciendo en él un espíritu crítico que se salte la convención conservadora promocionada en el Conservatorio como ideología oficial. No obstante, es necesario decir que la interpretación que realiza Noè es espectacular, la obra es muy difícil (más allá de su interés artístico) y el percusionista logra con mucho éxito realizar un brillante grabación. Aunque la composición no sea de nuestro agrado, no cabe la menor duda que está correctamente escrita y puede gustar a un público muy diferente al nuestro.

Se finaliza el disco con la obra de Jesús Torres titulada Tiento. Como escribe Yáñez, el compositor es «gran conocedor del Siglo de Oro, cuyos poemas ha musicalizado en diversas ocasiones, Torres nos remite en su partitura al tiento: forma musical española del siglo XVI caracterizada por su exploración del instrumento, teniendo un arco histórico que conecta a Torres con compositores como Antonio Cabezón y Joan Cabanilles. Tiento evidencia una voluntad de actualizar dicha forma tradicional, combinando el polimorfo grosor de un órgano con reminiscencias del Minimalismo». Torres se propone un interesante (y tal vez arriesgado) propósito intertextual, que es conectar obras de varios siglos atrás asociadas a una tímbrica muy particular e idiosincrática, con una nueva sonoridad moderna y actual. No obstante, en nuestra opinión, su planteamiento resulta exitoso por la buena destreza compositiva que se escucha en su música. En Tiento podemos detectar algunas sutiles transformaciones de armonías tonales (nos imaginamos que) derivadas de la música del Tiento del s. XVI. A su vez escuchamos curiosos efectos instrumentales, como una especie de  wa-wa en la resonancia del vibráfono, recordando de manera actualizada la sonoridad del órgano. Este instrumento junto a la marimba, son el set-up de esta obra. No es habitual encontrar ambos timbres juntos en una composición para solo. Esto también añade originalidad a la obra de Torres y le aporta más valentía y ventaja para aproximarse a lo "antiguo" desde lo "moderno". Por otro lado, resulta muy curioso que un instrumento tan histórico y de varios siglos atrás como el órgano, pueda ser transmutado en dos instrumentos de reciente fabricación como son la marimba y el vibráfono (aunque la concepción de un instrumento con láminas de madera y metal sea muy antigua). Este choque temporal que funciona muy bien y sin duda resulta original, a su vez se emparenta con la figuración de tipo minimalista con la que trabaja algunos motivos y secuencias armónicas de los Tientos clásicos. Un proceder que ya lo escuchamos no hace mucho en un concierto durante la Mostra Sonora de Sueca, donde el cuarteto de saxofones Lumina Ensemble interpretaba arreglos realizados por Jesús Torres de compositores como Guillaume Dufay, Baude Cordier y Johannes Ciconia. Compositores del siglo XIV y XV que transportados a una tímbrica tan reciente como la del cuarteto de saxofones, adquirían una especial y mágica característica, algo que en la obra interpretada por Noè Rodrigo, también se puede escuchar.

Xurxo Gómez-Chao

Igrexa da Universidade, Santiago de Compostela 2022

Concluimos resaltando la versatilidad y polifacética estilística de Paraules, un disco que especialmente todos los percusionistas deberían escuchar, ya que hay muy pocos trabajos de un percusionista tan joven como Noè Rodrigo, que haya creado un proyecto de estas dimensiones, además para una de las discográficas más reconocidas que hay ahora mismo. Nuestros mejores deseos para el interesante y prometedor camino que le espera en el futuro. Por último, agradecer la amabilidad del percusionista al habernos enviado su disco para reseñarlo.

Notas

  1. ^ https://www.noerodrigogisbert.com/es/bio-es/
  2. ^ El disco puede escucharse completo en YouTube https://www.youtube.com/watch?v=MwfxT5xB_Wg&list=OLAK5uy_lcOe1PmCK46AvPKPYfN8Pr5zpeVRodw5Q&index=1
  3. ^ https://es.wikipedia.org/wiki/Paco_Y%C3%A1%C3%B1ez
  4. ^ Ver nuestro texto publicado en esta misma revista: Arxis Ensemble en el Festival Ensems https://sulponticello.com/iii-epoca/arxis-ensemble-en-el-festival-ensems/
  5. ^ SATIE, Erik. Memorias de un amnésico y otros escritos. Árdora, Madrid, 2006, p. 116
  6. ^ Ibidem. p. 114.

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