¿Cuándo hablamos de componer?

En los últimos meses y en distintos espacios he escuchado a algunas personas cuestionarse y cuestionar la idea en cuanto a qué es componer o, más bien, una pregunta del tipo ¿es necesaria la figura de un compositor? Me parece fascinante que en diversos espacios haya surgido esta pregunta, en un principio pensaba que la duda iba vinculada al creciente uso de las inteligencias artificiales. En las artes plásticas desde hace rato se preguntan por el papel del artista con la llegada de las diversas inteligencias artificiales que pueden crear a partir de un promt, lo mismo ocurre con el diseño gráfico. No obstante, las dudas que escuché respecto a la posición de quien compone iban vinculadas a la parte interpretativa, una pregunta algo antigua para nuestros días; sin embargo, si hay dudas en diversos espacios supongo que es válida y de ahí surge la presente reflexión, aunque espero más adelante poder vincular esta duda a la creación y la tecnología. Debido a lo anterior no abordaré obras creadas para medio fijo.

Interpretación

Como mencionaba al principio, gran parte de la duda respecto a la figura de “alguien que compone” surge desde el punto de vista de intérpretes. Tal parece, en algunos casos, que consideran el interpretar como un proceso creativo, cosa que en efecto lo es, de ahí el nombre de “intérprete” lo que va de la mano a un proceso hermenéutico. Sin embargo, pese a que todo intérprete participa de la creación in situ de la obra, el nivel de participación de los mismos varía respecto al tipo de obra sonora que se esté ejecutando, unas claramente invitan más a colaborar mientras que otras obras piensan en quién interpreta como una especie de “máquina” a la que se le introducen reglas rígidas que debe seguir. Respecto a la parte interpretativa diría que sí hay una participación conjunta, teniendo en cuenta que el grado de participación es muy variable, pero esto no implica la creación total de la idea sonora. Como menciona Yuk Hui: “El artsita no es alguien que produce una obra de gusto, sino más bien alguien que es capaz y responsable de crear un circuito que posibilita una transindividuación entre el yo y el nosotros por medio de lo sensible exteriorizado en forma de obra de arte.”

Improvisación

En la improvisación el grado de participación de los intérpretes se espera que sea alto. Hay más libertad, aunque depende mucho del tipo de improvisación que se haga. En muchos contextos la improvisación va atada a la tonalidad, a un tipo de fraseo establecido o incluso se espera que todo encaje en una estética determinada. Aunque aquí se podría hablar de un acto creativo en vivo, con un mayor grado de participación creativa, o apertura. No obstante, muchas improvisaciones utilizan una especie de referencia preestablecida a manera de tema, coro o cabeza, en otras ocasiones no conservan el contenido melódico pero sí el armónico.

Es más bien en la llamada improvisación libre^[1] que el grado de creatividad en vivo es aún mayor, aunque de todos modos en la mayoría de los casos se suele hacer lo que se espera de una estética enmarcada en la improvisación libre. Aquí el problema, tal vez, es que no sería adecuado hablar de obras sonoras a la manera de lo que entendemos como composición sino, más bien, referirnos a esto como performances sonoros. Si lo pensamos, cuando se hace una grabación en este tipo de conciertos es más bien una memoria de lo ocurrido, pero es muy poco común que los partícipes consideren esto como obras compuestas. Por otro lado, tampoco se espera volver a escuchar esta performance de una manera idéntica a futuro. Además, desde un punto de vista legal es aún más complicado ya que si lo que se grabó fue una improvisación colectiva ¿de quién es la obra? Este tipo de problemas fueron una constante en el jazz cuando se llamaba a la improvisación pero luego se vendían los discos, el lector puede investigar los problemas legales del Kind of Blue de Miles Davis, por mencionar uno.

Indeterminación

Empecemos con esta idea de Cardew^[2]: “I would say that a piece is indeterminate when the player (or players) has an active hand in giving the piece a form.” Aquí el grado de apertura^[3], o de participación, de quien interpreta se podría decir que es mayor que en los dos puntos anteriores. En muchas obras consideradas indeterminadas es decisión de quien interpreta la forma, las alturas, los timbres, las dinámicas y la duración, por mencionar algunos aspectos. No obstante, no es lo mismo para todas las obras indeterminadas, muchas obras indeterminadas sí que determinan aspectos que quien las compuso, y sí, aquí sí hay un creador o compositor, no quiere que se varíen. También es cierto que en muchos casos, no hay ningún tipo de indicación como en Treatise de Cardew, sin embargo, sí que hay unos estímulos visuales, así que es de suponer que el compositor de esta obra sí espera que todos los parámetros sonoros y temporales sea derivados de los estímulos visuales. Aquí encontramos algo un poco raro, quienes interpretan esta obra tienen gran libertad creativa, pero la obra es de una persona en concreto. Y esto nos lleva al siguiente punto.

Composición

Aquí también quiero empezar con una idea de Cardew: “Notation and composition determine each other. Differentiate between creating a language in order to say something and evolving a language in which you can say anything. A musical notation is a language which determines what you can say, what you want to say determines your language. As a composer you have both aspects in your hand, but when you come to open your hand you find only one thing and it is not divisible.” ¿Por qué en el caso de Treatise, siendo una pieza que es tan abierta, se considera como una obra musical y no una performance sonora? Creo que la respuesta a esta pregunta es la misma a la pregunta respecto a la idea de qué es un compositor. Treatise es una obra musical, y se considera que fue creada por un compositor, simplemente porque hay algún tipo de escritura. Esto se puede aplicar para cualquier tipo de indicación que deje por sentada alguna persona.

En resumen,  siempre que haya algún tipo de notación, indicación o estímulo sonoro o visual que sirva como punto de partida para la creación o acción sonora, en ese caso en concreto, estamos hablando de alguien que está cumpliendo la función de compositor, o artista creador. De lo contrario son performances sonoros, lo que no quiere decir que sean menos valiosos, pero el objetivo es diferente. Desde mi punto de vista personal, son muy interesantes los puntos intermedios, en donde se determina pero también se da un margen de colaboración, con lo cual la obras es reconocible como tal pero al mismo tiempo siempre se actualiza, se podría decir que se espera la contingencia como un elemento escencial de la obra artística en medio de una retroalimentación creadora.

Tal vez la verdadera duda o pregunta que tenían las personas que escuché es ¿hay que estudiar composición en alguna institución para ser compositor? Lo único que puedo decir, por ahora, es que creo firmemente que solo se aprende verdaderamente algo a través de la práctica.