El presente ensayo se escribe en un contexto específico de formación e investigación, y responde a las herramientas conceptuales, lecturas y preocupaciones que atraviesan este momento de trabajo. Las ideas aquí desarrolladas no pretenden establecer conclusiones definitivas, sino dar cuenta de un estado de búsqueda, de un cruce posible entre tradiciones filosóficas y prácticas musicales, tal como se presentan en este punto del recorrido.
Introducción
Son muchos y diversos los conceptos que se han formulado en torno a la música. A lo largo de la historia, este arte ha sido objeto de una reflexión filosófica persistente, lo que permite pensar que la experiencia musical se encuentra vinculada al pensamiento filosófico desde sus orígenes, en tanto el ser humano la asoció tempranamente con el orden del universo, el tiempo y el sentido de lo real.
En la tradición occidental, figuras como [1] Pitágoras fueron fundamentales para establecer una relación entre música, número y cosmos. Sin embargo, en distintas culturas de Oriente —particularmente en China, India y Japón— se desarrollaron concepciones filosóficas y prácticas musicales que abordaron estos vínculos desde perspectivas radicalmente distintas, muchas veces alejadas del pensamiento racionalista y jerárquico propio de Occidente.
El presente ensayo se inscribe en un contexto específico de formación, lectura e investigación personal, y no pretende ofrecer una exposición exhaustiva ni definitiva. Se trata, más bien, de una aproximación situada, que pone en relación ciertos conceptos de las filosofías orientales con prácticas, ideas y estéticas de la música contemporánea, atendiendo especialmente a nociones como el tiempo, el sonido, el silencio, la experiencia y la escucha.
Desde esta perspectiva, el interés no reside únicamente en establecer paralelismos históricos o técnicos, sino en observar cómo determinadas concepciones filosóficas —muchas veces milenarias— encuentran resonancias, afinidades o puntos de fricción con búsquedas propias de la música contemporánea, ya sea en la ruptura de la forma, en la indeterminación, en la improvisación o en una escucha no jerárquica del fenómeno sonoro.
Entre el cielo y la tierra hay numerosos fenómenos que los vinculan y que en su mayoría escapan al conocimiento humano. El espacio intermedio, donde se encuentran lo celestial y lo terrenal, tiene forma de fuelle. Si se lo acciona, produce sus efectos, lo mismo que si se sopla una flauta. La tierra es el instrumento, el cielo proporciona el aliento y el Tao es el flautista. Ininterrumpidamente, el mundo es una infinitud de melodías. Surgen de la nada, dotan de ser a todas las cosas y vuelven a la nada para luego retomar su concierto solista.
Las melodías se desvanecen, pero sus ecos siempre se escuchan. Esta perpetua música asegura la continuidad del mundo, efímero y permanente como suele ser la propia música. Produce sin poseer, obra sin conservar, pide sin dominar. Es lo inherente al Tao que, observado desde la melomanía o la melofilia, parece un gran compositor, acaso un repentista, un improvisador, pero de notoria eficacia cósmica.
[2] Tschang-Tschung
Filosofía oriental
Llamamos filosofía oriental a las corrientes de pensamiento que evolucionaron en el sur de Asia, especialmente en países como China, la India y Japón, y en las zonas de influencia del islam (desde la península ibérica hasta la Indonesia). Estas filosofías son muy diversas y solo tienen en común el haber surgido en Asia, en civilizaciones muy antiguas y estructuradas, como China e India, con escaso contacto con el pensamiento occidental surgido en la cuenca del Mediterráneo.
Corrientes religioso-filosóficas como el [3] confucianismo, el [4] taoísmo o el [5] budismo, entre otras, continúan teniendo millones de seguidores y practicantes en el mundo, y han influenciado a pensadores y personas comunes en Occidente y el resto del mundo.
A diferencia de la filosofía occidental, no tienen una única raíz de origen, sino que se fueron desarrollando por medio de tradiciones autóctonas de cada una de las civilizaciones antiguas, hasta que, a través de diferentes hechos históricos y de reciprocidad cultural, tuvieron algún contacto.
Entre algunos de los aspectos más resaltantes hallados en las filosofías de la cultura de Oriente, tenemos:
[6] Aceptación de la naturaleza, [7] Mentalismo como concepción filosófica, [8] Trascendencia de las filosofías más allá del ámbito religioso y metafísico, etc.
Música Contemporánea
[9] Por contemporánea entendemos que vivimos en dicha época, así que la música contemporánea es toda aquella música reciente que se ha producido en los últimos años y que se sigue produciendo hasta la fecha. Más específicamente, se ha determinado que la época de la música contemporánea comenzó al finalizar el Modernismo musical, a mediados de los años setenta (1970).
En otros casos, se considera que dicha etapa comenzó después de las formas de música postonal, al morir [10] Anton Webern y en la época de la segunda Guerra Mundial (1939-1945).
Puesto que seguimos en esta etapa en curso, no se ha definido claramente si el término de “música contemporánea” debe aplicarse a la música actual de cualquier estilo, o si exclusivamente debe ser utilizado para la música de los compositores vanguardistas (que realizan música experimental). En todo caso, cuando se trata del marco clásico, nos referimos al último caso mencionado.
El rompimiento de la forma en música se lleva a cabo en el siglo XX como una de las últimas expresiones de ruptura del [11] sistema tonal que había prevalecido por más de doscientos años. Poco a poco se introdujeron nuevos conceptos en la forma, como [12] aleatoriedad, [13] indeterminismo, [14] música estocástica (por citar algunos), que reemplazaron las formas tradicionales de la música durante varios siglos, como la [15] sonata, [16] la suite, etc.
El compositor impulsa esta evolución con la ayuda del intérprete, que deja de ser un factor pasivo para intervenir directamente en algunos aspectos de la composición. El aporte del intérprete para la apertura de la forma nos descubrirá una perspectiva diferente de la creación musical.
[17] En lo que respecta a la interpretación de una obra musical podemos encontrarnos ante dos posiciones: la determinista y la que aboga por la indeterminación. La primera, considera la interpretación como un acercamiento al ideal que supone la partitura. Para la segunda, cada interpretación es única. La experiencia de la escucha se centra en el transcurrir de la obra y no en una comparación con un supuesto objeto ideal.
La primera posición es propia del pensamiento occidental, siempre ocupado en establecer objetivos que se hallan más allá de la experiencia sensible. La segunda en cambio, se identificaría con el pensamiento Zen, que enseña que cada cosa y, por tanto, cada sonido, es un centro y que, en consecuencia, una obra musical, contiene una multiplicidad de centros.
El Zen
“Al igual que los padres cuidan de sus hijos, deberías tener en cuenta a todo el universo” Zen Master Dogen
El [18] zen es una escuela del budismo mahāyāna. La palabra zen es la pronunciación en japonés de la palabra china chan (禪), que a su vez deriva de la palabra sánscrita dhiana, que significa ‘meditación’. Cabe destacar que el maestro japonés [19] Daisetsu Teitaro Suzuki iguala el dhyana con el zazen (en chino 坐禅 zuòchán, ‘meditación sentado’).
Apartándose del conocimiento teórico o intelectual, el zen busca la experiencia de la sabiduría más allá del discurso racional.
El zen emergió desde distintas escuelas budistas y fue registrado primero en China en el siglo VII, luego se dispersó hacia el sur a Vietnam y al este a Corea y Japón.
Zazen (Japón)
“En verdad, el Gran Cuerpo está más allá del polvo del mundo, quién podría creer que existe un medio para limpiarlo.”
[20]Manual de meditación Zen
El [21] zazen (坐禪 zuochan en chino) es un tipo de meditación de las escuelas chán adoptado en Japón por la escuela Sōtō japonesa. Esta técnica de meditación, es una de las prácticas más conocidas en Occidente del zen.
Hay diferentes aproximaciones al zazen. Algunas postulan el flujo natural de la respiración y una posición cómoda, mientras que otras ponen especial énfasis en asegurar físicamente una [22]postura correcta.
Se requiere una atención constante pero tranquila por parte del practicante. El pensamiento se libera, ni piensa ni deja de pensar. Se deja pasar.
No adhiere ni rechaza, como si las ráfagas mentales fueran nubes que atraviesan el cielo sin dejar rastro. [23] Está tranquila y atenta contemplación llevará al seguidor a descubrir su naturaleza búdica (tal como cuando dejamos de remover el agua de un
estanque podemos al fin ver el fondo).
Se puede observar como en algunos aspectos de la música contemporánea aparece esta filosofía. Acciones como la contemplación, no adherir ni rechazar, dejar pasar los pensamientos sin aferrarnos a ellos, etc., nos muestran una estrecha relación entre la música contemporánea, el zazen, y el interés por el uso del sonido de maneras diferentes.
Dicho esto, y tomando las ideas del Zen y el Zazen descriptas, podemos hacer una analogía de varios aspectos de las mismas con la música contemporánea.
Todos los sonidos son iguales
“A mis obras les está vetado, de momento, ganarse a las masas. Pero con más certeza conquistan al individuo. Y me colma de dicha ver que es un artista que crea en otra parcela del arte quién encuentra relación conmigo. Seguro que entre los mejores de los que hoy en día se afanan en sus trabajos, existen relaciones y similitudes desconocidas, que no son casuales. Lo entiendo perfectamente y estoy seguro de que coincidimos en ello. Y, además, en lo fundamental. En lo que Vd. llama lo “ilógico” y yo denomino la “eliminación de la voluntad consciente en el arte”.
Arnold Schoenberg a Wassilly Kandisky
[24] La atonalidad es un sistema de organización musical que no pone mayor énfasis en una nota que en ninguna otra. La música occidental tradicional tiene una tónica, la primera nota de la escala, y una dominante, la quinta nota de la escala. Estas dos notas se utilizan para proporcionar una sensación de comienzo y finalización de las piezas musicales. Atonalidad intenta eliminar la jerarquía de tonos para crear una pieza musical en la que todas las notas sean iguales.
El sistema de atonalidad o música de 12 tonos fue promovido por [25] Arnold Schoenberg , y Anton Webern.
La música atonal es el puntapié inicial hacia el desprendimiento de la tonalidad; esta idea de igualdad y abandono está íntimamente ligada a la filosofía Zen, nos muestra el desprendimiento y el renunciamiento para una nueva concepción de vida en donde todo está y no hay jerarquías, todo es parte de lo mismo.
Cabe aclarar que la atonalidad aparece durante el periodo de [26] Vanguardia Expresionista.
El expresionismo se desarrolló como reacción a la industrialización y al crecimiento de las ciudades. Ante la inevitable Primera Guerra Mundial que se aproximaba y al aumento acelerado de la industrialización a principios de siglo en Europa, especialmente en Alemania.
Haciendo una síntesis, el mismo se caracteriza por una perspectiva desencantada sobre la realidad. Los artistas miran con descreimiento y desconfianza las promesas progresistas de la modernidad al captar las contradicciones de fondo. La generación expresionista concibe al individuo como un ser a la merced de los acontecimientos, carente de sustancia propia y sometido a la mediocridad. Para esta generación, las personas han sido despojadas de libertad y autonomía, y han sido reducidas a piezas del sistema.
El expresionismo se propone hacer prevalecer el instinto sobre la racionalidad en los procesos creativos. Es decir, el artista se opone a la composición deliberadamente racional y promueve el valor de la intuición y la improvisación.
Lo abrupto hace presencia. En esta última definición hallamos un encuentro entre el Zazen y el Expresionismo: la idea de promover la improvisación y la intuición nos lleva a una de las características del Zazen, “no adhiere ni rechaza, como si las ráfagas mentales fueran nubes que atraviesan el cielo sin dejar rastro”.
Ya no existe el silencio
Luego de esta experiencia, en 1951, Cage proclamaría que “el silencio no existe”, pues de una u otra forma, nuestra capacidad de escuchar ni siquiera puede evadirse del propio funcionamiento del cuerpo.
John Cage
Ni estando en un cuarto aislado ni quedándonos estáticos podemos lograr que haya un silencio total; el latido del corazón, el sonido de nuestra respiración o el simple andar del viento lo impiden. Esto fue parte del análisis del compositor y músico [27]John Cage (1912-1992), quien con sus reflexiones hechas a partir de su visita en 1952 a una acústica anecoica, en la Universidad de Harvard, hizo que la concepción del silencio tornara en otro sentido.
Su experiencia al permanecer dentro de dicha cápsula, se dio cuando al tratar de lograr un momento de silencio absoluto, seguía percibiendo dos ruidos, uno agudo y otro grave: su sistema nervioso en funcionamiento y su sangre circulando.
Descubrió que siempre hay sonidos y nunca existe el silencio total. Este descubrimiento llamado “silencio más que sonido” fue derivado de sus estudios en filosofía Zen, la cual influyó siempre en su obra musical. La idea de continuidad y no-continuidad introdujeron el concepto de silencio como un elemento más en la música, reducida a la idea de un hecho acústico abandonado a la intención de oír.
En el mismo año de 1952, al ver las Pinturas Blancas de [28] Rauschenberg, Cage publicó la “pieza silenciosa” llamada [29] 4′33″, título que hace referencia al único elemento común entre la música y el silencio dentro de patrones de duración; excluyendo volumen, tono y timbre.
El fluir del sonido
La nueva pintura me hizo desear un mundo sonoro, más directo, más inmediato, más físico que todo lo que existía anteriormente. Para mí, mi partitura es mi tela, mi espacio.
Morton Feldman
La obra [30] “For Philip Guston" (1984) creada por el compositor [31] Morton Feldman dura 4 horas y 25 minutos. Una duración de estas dimensiones se puede considerar como una versión temporal de las grandes superficies pintadas que utilizaron artistas como [32] Pollok, [33] Rothko y [34] Kline, por no citar más que alguno. O consideremos, por otra parte, la ausencia de crisis dramática, la textura parecida en toda la obra -y sin embargo en perpetuo movimiento -, la austeridad de los medios empleados; todas son características que - mutatis mutandis - podemos hallar en el all-over, ese particular modo de formar que definió la pintura de Pollok y también de Rothko.
El mismo Morton Feldman, amigo de muchos de estos pintores y amigo íntimo de [35] Philip Guston, subrayaba estos parentescos emparentados con las ideas filosóficas orientales :
"La nueva pintura me hizo desear un mundo sonoro, más directo, más inmediato, más físico que todo lo que existía anteriormente. Para mí, mi partitura es mi tela, mi espacio. Lo que intento es sensibilizar esta zona, este espacio-tiempo".
La idea de lo atemporal, de que todo está en un constante fluir se ve, “Pareciera ser que dejar que el sonido se libere y genere un estatismo, es una particularidad ya no estética, más bien, intrínseca”.
Liberación
“Independiente de cualquier estructura previa, vino a patear el tablero no sólo del jazz, sino de la música toda”.
[36] Ornette Coleman
La improvisación sería lo opuesto a lo dicho, sería buscar caminos nuevos, una manera de practicar un instrumento de manera diferente, por ejemplo.
La Improvisación Libre sería salir de todos los condicionantes que tiene cada persona, poder tener ciertas condiciones que le permitan al improvisador estar en un estado que canalice las ideas sonoras que recibe, asimilarlas, e interactuar entre todos los que participan.
Esta idea significa que hay una escucha del momento, de lo que sucede, una escucha activa y mucha intuición. Al final, lo que se busca es un equilibrio donde también se pueden materializar rupturas.
La improvisación y más aún la improvisación libre, son un muy claro ejemplo de la liberación del pensamiento, dejar fluir los pensamientos, y de una escucha atenta.
La percepción interna de la Improvisación Libre depende de cada improvisador, de cada persona, es muy subjetiva. A priori la Improvisación Libre no se puede predecir, la sorpresa es una característica importante (teóricamente).
Notas
[1] Pitágoras (en griego antiguo Πυθαγόρας; Samos, c. 5702-Metaponto, c. 490 a. C.) fue un filósofo y matemático griego considerado el primer matemático puro. Contribuyó de manera significativa en el avance de la matemática helénica, la geometría y la aritmética, derivadas particularmente de las relaciones numéricas y aplicadas, por ejemplo, a la teoría de pesos y medidas, a la teoría de la música o a la astronomía. Respecto a la música, sus conceptos de I, IV y V fueron los pilares fundamentales en la armonización griega y son los utilizados hoy en día. Es el fundador de la Escuela pitagórica, una sociedad que, además de ser predominantemente religiosa, se interesaba en medicina, cosmología, filosofía, ética y política, entre otras disciplinas. El pitagorismo formuló principios que influyeron tanto en Platón como en Aristóteles y, de manera más general, en el posterior desarrollo de la matemática y en la filosofía racional en Occidente.
[2] Sabio Taoísta se cree que adoctrino a Gengis – Kan sobre sus creencias.
[3] El confucianismo (en chino: 儒家, pinyin: rújiào ‘doctrina de Confucio’), también conocido como ruismo (Rújiào, ‘doctrina de los eruditos’) y a veces también llamado confucionismo, es un sistema de pensamiento con aplicaciones religiosas, rituales y morales, predicadas por los discípulos y seguidores de Confucio tras su muerte. https://www.elejandria.com/libro/descargar/analectas/confucio/808/1091 https://www.academia.edu/38927099/LOS_CUATRO_LIBROS_CONFUCIO
[4] El taoísmo (en chino, 道教; pinyin, dàojiào; literalmente, ‘enseñanza del camino’) es una tradición filosófica y espiritual de origen chino la cual enfatiza vivir en armonía con el tao (la 'vía' o 'camino'). El tao es una idea fundamental en la mayoría de las escuelas que forman parte de la filosofía china. Conforma la realidad suprema y el principio cosmogónico y ontológico de todas las cosas. Así, para los taoístas el tao constituye la fuente, el patrón y la sustancia de todo lo existente.
[5] El budismo es una religión y una doctrina filosófica y espiritual perteneciente a la familia dhármica. Es considerada como una religión «no teista», lo que significa que no tienen y no siguen a un dios; esta se centra en buscar la paz, la armonía, la tranquilidad y el equilibrio. Dentro del budismo encontramos los llamados «lamas», quienes son los guías espirituales. Comprende una variedad de tradiciones, creencias religiosas y prácticas espirituales principalmente atribuidas a Buda Gautama. http://www.librosbudistas.com/gratis
[6] En comparación con la filosofía occidental, que pretende controlar y modificar el entorno natural donde se desenvuelve su población, las numerosas corrientes filosóficas orientales concuerdan en comprender a la naturaleza tal y como es, ya que se asume al hombre como parte de ella y en constante relación con su ambiente.
[7] Desde el punto de vista de las filosofías de Oriente, la realidad es un proceso mental capaz de modificarse por medio de la meditación como principal ejercicio, siendo además dicha realizar considerada una pequeña creación mental derivada de un gran constructo de la mente que cada uno posee.
[8] Muchas de las importantes corrientes filosóficas originadas en Oriente son analizadas y estudiadas en centros educativos de renombre mundial, como, por ejemplo, pasa con el budismo, cuyos principios y valores son el tema principal de cursos y asignaturas impartidos en instituciones de educación secundaria o superior.
[9] Ana Sofía Rivera. 28 abril 2020
[10] Anton (von) Webern (Viena, 3 de diciembre de 1883-Mittersill, Salzburgo; 15 de septiembre de 1945) fue un compositor austríaco.
Fue miembro de la llamada Segunda Escuela de Viena. Como estudiante y brillante seguidor de Arnold Schoenberg, es uno de los más conocidos exponentes del dodecafonismo; además, sus innovaciones referentes a la organización sistemática de altura, ritmo y dinámica fueron decisivas para el estilo musical conocido más tarde como serialismo.
[11] Implica una determinada organización jerárquica de las relaciones entre las diferentes alturas en función de la consonancia sonora con respecto al centro tonal o tónica, que es una nota, su acorde y su escala diatónica.
[12] A partir de 1950 se introduce la música aleatoria (o música de azar), que está basada en elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel generando la improvisación. https://youtu.be/nrf_PAlmXLE
[13] La indeterminación es un enfoque de composición en el que algunos aspectos de una obra musical quedan abiertos al azar o a la libre elección del intérprete. https://youtu.be/B-HJT7kg9Ik
[14] Música creada a partir de tres parámetros principales: intentar encontrar y adaptar los sonidos naturales; doblegar estos sonidos naturales a unas reglas para poder componer y la intencionalidad del autor al componerla.
[15] El término sonata es el nombre dado a distintas formas musicales, empleadas desde el período barroco. Por sonata se entiende, según el modelo clásico, tanto una pieza musical completa como un procedimiento compositivo que utiliza dos temas generalmente contrastantes. Este procedimiento compositivo se conoce como «forma sonata».
[16] En música clásica occidental y en jazz, es una forma musical compuesta por movimientos instrumentales breves, de carácter dancístico. Su origen se encuentra en los pares contrastantes de danzas del Renacimiento. Durante el Barroco fue una de las formas musicales más importantes. Está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno.
[17] Carmen Pardo Salgado
[18] https://youtu.be/APjXpUnHw20
[19] Daisetsu Teitaro Suzuki (鈴木 大拙 Suzuki Daisetsu, 18 de octubre de 1870 - 12 de julio de 1966) fue un filósofo japonés, reconocido como uno de los promotores del zen en Occidente. Su nombre de nacimiento fue Teitarō (¿貞太郎?) y su nombre budista como monje fue Daisetsu, pero internacionalmente fue conocido con sus dos nombres juntos, así como D. T. Suzuki o Daisetz Teitaro Suzuki.
[20] https://www.edmilenio.com/media/docs/9788497437202_L33_23.pdf
[21] https://youtu.be/n_vQVnlgJOI
[22] Para practicar zazen hay que sentarse en un cojín (zafu), con las piernas cruzadas en la postura del loto. La pelvis está basculada hacia delante de forma que las rodillas se apoyen en el suelo. A partir de esta base se endereza la columna vertebral, se empuja el cielo con la cima de la cabeza. La barbilla metida, la cabeza derecha, los hombros relajados. La mirada baja. La extremidad de la lengua se coloca sobre la parte delantera del paladar. La mano izquierda sobre la mano derecha, con las palmas hacia arriba. Las extremidades de los pulgares se tocan y están en prolongación uno del otro. Las dos manos colocadas sobre los muslos están en contacto con el abdomen. De esta manera se crean las condiciones para la total inmovilidad. Sentados en esta postura, nos concentramos en la respiración. Cada detalle de la postura tiene un profundo significado. https://laviadelzen.com/zazen-la-tecnica/
[23] Frase atribuida a la filosofía budista. Algunos se la atribuyen a Buda. https://www.formarse.com.ar/sitio/2020/11/07/libros-de-budismo-gratis-pdf/
[24] https://www.musicaclasica.info/compositores/schoenberg/
[25] Arnold Schönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874-Los Ángeles, 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1934, adoptó el nombre de Arnold Schoenberg, y así es como suele aparecer en las publicaciones en idioma inglés y en todo el mundo.
Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena. https://www.youtube.com/channel/UCY_Fd6N2APQnJPGwJUQaNPA
[26] Avanzada de un grupo o movimiento ideológico, político, artístico o de otro tipo formaba parte de la vanguardia intelectual del momento. Cuando hacemos referencia a vanguardias, hablamos específicamente de vanguardias artísticas: son los movimientos rupturistas de las artes plásticas que surgieron a partir del siglo XX, y que tuvieron como objetivo expresar los nuevos tiempos por medio de la innovación del lenguaje pictórico y/o escultórico. Entre ellos podemos mencionar al cubismo, al futurismo, al dadaísmo, al abstraccionismo (con sus diferentes corrientes) y al surrealismo. https://www.culturagenial.com/es/vanguardismo/
[27] John Milton Cage Jr. (Los Ángeles, 5 de septiembre de 1912 - Nueva York, 12 de agosto de 1992), artísticamente John Cage, fue un compositor, teórico musical, artista y filósofo estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales de la vanguardia de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo xx. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham,7 quien fue su compañero sentimental la mayor parte de su vida. https://www.youtube.com/channel/UCCvefYEBaxeVQlQgz6IxB9g
[28] Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas; 22 de octubre de 1925-Captiva Island, Condado de Lee (Florida); 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista estadounidense, que alcanzó notoriedad en 1950 durante la transición del expresionismo abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país. https://www.wikiart.org/es/robert-rauschenberg
[29] 4′33″ (pronunciado cuatro, treinta y tres en español, y en inglés four thirty-three o four minutes, thirty-three seconds) es una obra musical en tres movimientos realizada por el compositor estadounidense de vanguardia John Cage. La pieza puede ser interpretada por cualquier instrumento o conjunto de instrumentos. En la partitura, con una única palabra, «Tacet», se indica al intérprete que ha de guardar silencio y no tocar su instrumento durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. Aunque comúnmente se considera que se trata de «cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio»,45 algunos teóricos de las vanguardias musicales consideran que el material sonoro de la obra lo componen los ruidos que escucha el espectador durante ese tiempo. Con el paso de los años 4′33″ se ha convertido en la obra más famosa y controvertida de John Cage. https://youtu.be/TOgrWX5_dS4
[30] https://youtu.be/13WGthWZink
[31] Morton Feldman (12 de enero de 1926 - 3 de septiembre de 1987) fue un compositor estadounidense, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos (por ejemplo, varios pianos). https://www.youtube.com/channel/UCiFgxH09t3vNHqMZW9aCAqg
[32] Paul Jackson Pollock (/ˈpɒlək/ Cody, Wyoming; 28 de enero de 1912-Springs, Nueva York; 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y principal artista del expresionismo abstracto. Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo de chorrear pintura (dripping). https://www.wikiart.org/es/jackson-pollock
[33] Marcus Rothkowitz (/ˈrɒθkoʊ/; en letón, Markuss Rotkovičs; Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903-Nueva York, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko, fue un pintor y grabador estadounidense nacido en Letonia.
Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría. https://www.wikiart.org/es/mark-rothko
[34] Franz Kline (Wilkes-Barre (Pensilvania), Estados Unidos, 23 de mayo de 1910 - Nueva York, Estados Unidos, 3 de mayo de 1962) fue un pintor estadounidense asociado al grupo expresionismo abstracto que geográficamente se centra en Nueva York entre los años 1940 y los años 1950. https://www.wikiart.org/es/franz-kline
[35] Philip Guston (Montreal, 27 de julio de 1913 - Nueva York 7 de junio de 1980 en Nueva York) fue un célebre pintor de la Escuela de Nueva York en la que se encuentran numerosos pintores del expresionismo abstracto como Jackson Pollock y Willem de Kooning. En los años 1960, Guston llevó a cabo la transición del modernismo hacia el postmodernismo en pintura, abandonando lo que se llamó la «abstracción pura» del expresionismo abstracto en favor de un estilo más cercano al tebeo para rendir diversos símbolos y objetos personales de la vida cotidiana de esta forma volver a representar al hombre común en la escena artística de esos años. https://www.wikiart.org/es/philip-guston/
[36] Randolph Denard Ornette Coleman (Fort Worth, 9 de marzo de 1930-Nueva York, 11 de junio de 2015) fue un saxofonista, trompetista, violinista y compositor estadounidense de jazz. Figura fundacional de la vanguardia jazzística con un cuarteto en el que estaba Don Cherry, sus innovaciones en el ámbito del free jazz fueron tan revolucionarias como controvertidas.
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