[Conversando con…] Andris Dzenitis

Tom Moore: ¿Cuál era el ambiente musical de tu infancia? ¿Tus padres o familiares cercanos tocaban música, como aficionados o profesionales?

Andres Dzenitis: Vengo de una familia letona normal y corriente de clase trabajadora. Ninguno de mis padres, a los que perdí muy pronto, estaba directamente relacionado con el arte o la música. Mi madre era ingeniera química y mi padre se dedicaba a muchas cosas. Sin embargo, mi madre era una profunda admiradora de la cultura: creo que teníamos abonos en todos los teatros de Riga. Íbamos a menudo a exposiciones de arte y, por supuesto, más a menudo aún, a conciertos de música clásica. Estoy muy agradecido por ello: crecí en un entorno lleno de diferentes tipos de arte, y quería probar algo por mí mismo. Mi hermana es violinista, es mayor que yo, así que los sonidos del violín estaban de fondo cada día, desde el día de mi nacimiento. Quizá eso también fue una influencia importante.

T.M.: Naciste en Riga. ¿Creciste allí?

A.D.: Sí, nací en Riga y sigo viviendo aquí. Es una de las ciudades que más me gustan del mundo. Al mismo tiempo –mi naturaleza es bastante controvertida- me siento muy introvertido y extrovertido al mismo tiempo. Y a menudo quiero escapar de la vida de la ciudad. Por eso me alegró mucho que, durante el apogeo de esta pandemia, pudiera pasar casi medio año en mi casa de campo en el noreste de Letonia. Mis vecinos más cercanos están a más de un kilómetro de distancia. Pero después de algún tiempo sigo queriendo volver a la ciudad para comunicarme, sólo para sentir que la humanidad sigue viva...

T.M.: ¿Cuánto tiempo llevaba tu familia allí? ¿También eran de Riga?

A.D.: Mis padres llegaron a Riga durante la Segunda Guerra Mundial, y casi todos mis parientes estuvieron en Riga después de esa época.

T.M.: ¿Qué tipo de música escuchabas de niño? ¿Sólo música clásica? ¿Popular? ¿Música folclórica?

A.D.: Siempre estuve interesado y abierto a diferentes tipos de música. Y estoy orgulloso de este hecho. Como ya he dicho, mi experiencia con la música en directo eran los conciertos de música sinfónica y clásica de cámara, pero al mismo tiempo era fan de diferentes programas de música pop en la radio y la televisión, que durante el último periodo soviético me dieron un amplio espectro de lo colorida que puede ser la música. Muy pronto (creo que tenía siete u ocho años) me hice fan de Pink Floyd, del art rock y de varios tipos (no los más artísticos) de cantantes y compositores pop. Sin embargo, creo que había una selección más variada de música pop de alta calidad que la actual.  Sólo por mencionar a David Bowie, Genesis, Peter Gabriel o Laurie Anderson, no se trataba sólo de música con fines comerciales, sino que estaba al más alto nivel de arte.  El jazz y la verdadera música rock entraron en mi campo de intereses mucho más tarde. Por ejemplo, hoy disfruto mucho de la música de metal progresivo, me divierto con todas esas estructuras súper complicadas que tiene...

T.M.: ¿Qué fue lo que te impulsó a empezar a tocar? ¿Cuál fue tu primer instrumento?

A.D.: Intenté ser pianista. En realidad, durante un largo tramo de años en mi infancia, tuve éxito en este campo. Pero más tarde me pareció más interesante crear obras de arte que interpretarlas.  No me motivaba mucho tocar el piano como solista.  Durante mucho tiempo me gustó tocar las teclas, sobre todo disfrutando de la participación en conjuntos de cámara, pero no como solista. Hoy el piano es simplemente un mueble negro en mi habitación, pero de vez en cuando sigo intentando entrenar mis dedos y mi cerebro tocando algo de Bach. La música fue mi propia elección. Nadie me presionó para ir a la escuela de música; simplemente me gustaba el edificio de la escuela de música, que estaba en un lugar precioso.

T.M.: ¿Cuál fue el camino que tomaste hacia la composición clásica? ¿Dónde estudiaste? ¿Con quién estudiaste? ¿Cuáles eran los modelos que deseabas emular en términos de composición?

A.D.: Empecé, como muchos niños de esa edad, componiendo arreglos de piano para canciones populares letonas, guiado por un profesor de solfeo. No era nada interesante. Recuerdo que siempre había una forma correcta y otra incorrecta de hacer las cosas. Todavía me opongo a las nociones de "bueno" o "malo", "educado", "elegante", "contemporáneo frente a anticuado". Hace un par de años encontré un cuaderno de mi primera infancia, de cuando tenía unos cinco o seis años, quizá incluso de preescolar. En este cuaderno ya tengo una ópera (que termina con la palabra "muerte"), así como un par de sinfonías y sonatas. Fue muy divertido ver esto. Cuando conocí a mi primera profesora de composición de verdad, Marina Gribinchik (que por aquel entonces era sólo una estudiante), cambió por completo mi idea de lo que es la música y las posibilidades de la composición. Estudiamos mucha música postsoviética, como Schnittke, Denisov, Part, Gubaidulina, y algunas cosas aún más vanguardistas, y esta libertad era un universo nuevo para mí. Más tarde, cuando decidí claramente ser compositor, mi profesor fue Peteris Vasks, el compositor letón más famoso a nivel internacional. Fue una experiencia muy valiosa: nuestras discusiones sobre la música se desarrollaban más en términos filosóficos, éticos y estéticos, que en técnicas o reglas. Fue una época interesante, tenía partituras de Lutoslawski, Ligeti, Part, revistas sobre música contemporánea y CDs. Después de la escuela, gracias a Peteris Vasks, conseguí una beca para una práctica de un año en Viena. Allí fui alumno de Kurt Schwertsik, pero sobre todo disfruté de la vida cultural y musical de Viena. El Festival Wien Modern y su amplia oferta de música contemporánea y étnica fue un nuevo punto de inflexión para mí. Tras regresar a Letonia, con una personalidad complicada, después de dos años en la Academia de Música de Letonia, estaba en conflicto interno con lo que allí ocurría (aunque amaba a mi profesor Peteris Plakidis), y me fui a la Academia de Música de Lituania en Vilnius, donde me gradué en 2003. En aquella época, la vida musical y la creatividad en la composición musical eran, creo, más abiertas en Vilna, más acogedoras y valientes que en la conservadora Letonia. Creo que hoy muchas cosas han cambiado... Mi profesor era Osvaldas Balakauskas, que es una leyenda en la escena musical contemporánea lituana, pero también me convertí en un gran fan de la música y la cultura folclórica lituana.

Debo decir que siempre fui un compositor que trabajaba de forma bastante intuitiva, con sonidos llenos de diferentes emociones. En la escuela –sobre todo energía bastante oscura y depresiva- y más tarde, tratando de equilibrar. Sigo pensando que escribo música del siglo XXI, pero casi nunca he creado "conceptos" o "técnicas especiales de composición". Para mí, el proceso de composición es como escribir poesía: seguir sus propias y desconocidas reglas de desarrollo es lo más interesante en el proceso de creación. Aun así, hay algunos críticos que piensan que mi música es "demasiado matemática", aunque casi nunca haya utilizado las matemáticas en ella.

T.M.: ¿Cuáles fueron tus primeras composiciones?

A.D.: Siempre estoy pensando: ¿qué punto puedo nombrar como verdadero punto de partida de mi carrera compositiva? No mis óperas y sinfonías infantiles, ni siquiera mis arreglos de canciones populares. Hubo algunas composiciones ingenuas después, pero también hay algunas piezas no muy exitosas entre las que estoy componiendo ahora. Recuerdo que compuse Dos preludios para piano en 1990. Tenía doce años, y los preludios incluían clústers, algunos episodios aleatorios, y eran marcadamente disonantes. Por supuesto, en aquellos años esto resultaba chocante para los demás, incluidos los jurados de algunos concursos de composición para jóvenes compositores entre las escuelas de música. Y yo conseguí el gran premio en algunos de ellos y la imagen de ser un "enfant terrible". Fue el año en que Letonia recuperó su independencia de la Unión Soviética. Los niños normalmente componían canciones, o algunas piezas para piano dedicadas a las flores, o al menos al estilo de Chopin a esa edad...

T.M.: ¿Cómo describirías tu estilo en tus obras de principios de los noventa?

A.D.: Lleno de emociones. Lleno de contrastes extremos entre las emociones. Creo que en ese sentido no ha cambiado mucho desde entonces. Quizá más equilibrado. Yo era una especie de vanguardista expresionista. Ahora me definiría como un romántico contemporáneo. El romanticismo no significa que la música deba estar en un lenguaje convencional, utilizando tonalidades y afectos tradicionales. Creo que es un modo de ver el mundo y los sonidos, y es posible ser romántico incluso en el mundo sonoro más complejo y disonante. Aunque a alguien le suene un poco "anticuado".

T.M.: ¿Hay obras tempranas que no estén todavía en tu catálogo? ¿Qué obra describirías como tu opus 1 y por qué?

A.D.: Sí, algunas lo están. Pero cada vez pienso más en hacer una revisión de esta lista: si alguien está interesado en algunas de mis primeras obras, me encuentro con que a veces están escritas a mano con errores, por lo que, en lugar de algunas piezas, tiendo a recomendar otras. Creo que mi mejor composición temprana fue mi sonata para violín Deserted, de cuando tenía dieciséis años. Con esta pieza gané un concurso de composición anónima organizado por la sociedad de compositores de Letonia. El jurado intentaba adivinar qué compositor la había compuesto, y cuando abrieron el sobre... era de un nombre desconocido, de dieciséis años. Estaba muy influida por la música de Alfred Schnittke, que era "mi todo" en música en aquella época. Y sigo pensando que es una obra que vale la pena tocar. Es una música llena de fuerza y de energía natural, sin fisuras. Esta pieza también creó interés sobre quién soy yo fuera de Letonia: conseguí mis primeros encargos.

T.M.: Háblanos de tus estudios con Peteris Vasks, por favor. Para mí el es una presencia monumental, pero probablemente no sea muy conocido en Occidente.

A.D.: Peteris es una gran personalidad. Al mismo tiempo, es muy modesto, pero también exigente si hablamos de música. Tal vez ahora, cuando ya no es tan joven, acepte y le guste más. Pero recuerdo algo que dijo cuando yo era su alumno: "El 95% de la música del mundo es mala, y sólo hay un 5% que vale la pena escuchar". No siempre estoy de acuerdo con eso; depende de cómo lo veas y de cuáles sean tus expectativas y preferencias. Hay miles y millones de compositores, todo el mundo quiere hacerse notar, pero con el ritmo de los acontecimientos y los cambios de imagen, es casi imposible si no eres conocido, o no tienes buenas habilidades de gestión o influencias. Da un poco de miedo. En mi propia experiencia, seguí mi propio camino, lleno de afortunadas coincidencias, conocí a fantásticos artistas, lo hice todo por mi cuenta. Pero es muy duro y sólo a veces tiene resultados. Por ejemplo, esperaba ser más conocido tras los encargos de las orquestas sinfónicas de Boston y Leipzig, pero nada cambió realmente: hay muchos otros artistas, y los críticos a veces son muy crueles y descuidados, sobre todo si escriben sobre artistas a los que escuchan por primera vez. Pero a veces sirve para el futuro. No obstante, me alegro de haber tenido y seguir teniendo muchos músicos fantásticos, amigos, conjuntos, orquestas y oyentes que defienden mi música.

T.M.: Una pregunta sobre la técnica/práctica compositiva. Los compositores suelen dividirse en dos grupos: los que tienen un enfoque arquitectónico, que diseñan el esquema a gran escala y luego rellenan los detalles, y los que tienen un enfoque más orgánico o narrativo, que inventan los detalles y luego ven en qué tipo de esquema más amplio crecen esos detalles. ¿Cómo describirías tu enfoque?

A.D.: Yo diría que tengo algo intermedio. La mayoría de las veces la idea de la obra está en algún lugar de mi subconsciente, como una nube de color. Veo formas, sombras, direcciones, nivel de energía, punto de destino, pero rara vez algo muy concreto. Vale, puedo tener más o menos claro algún tipo de sonido, la densidad de la textura, los gestos de algunos momentos especiales. Pero en un plan detallado –como ya he dicho- disfruto contando la historia sucesivamente, sorprendiéndome a veces a dónde me lleva y qué cambia en mi idea original. Por supuesto, a veces desarrollo algunos principios, algunos métodos técnicos para determinados bloques de música, pero para ser honesto, son sólo herramientas que decido utilizar y a veces sucede que olvido totalmente cómo hice este o aquel pasaje, cuál era el principio y entonces debo investigar en mi propia composición. Tal vez alguien pensaría en un enfoque poco profesional, pero si soy honesto, miro con bastante recelo mucha de la música en la que para el compositor "todo es técnicamente claro y predecible". Para mí, componer es una aventura: está llena de pequeñas y grandes sorpresas.

T.M.: ¿Cuál es tu área de composición favorita?

A.D.: La música sinfónica, sin duda. Me gustaría componer para orquesta todo el tiempo si fuera posible. Nunca rechazo ningún encargo para orquesta. Es como pintar con una paleta completa de colores, crear tus propios tonos: nunca es lo mismo, es un proceso lleno de sorpresas.

Pero como profesional debo decir que para un compositor cualquier combinación de instrumentos no debería ser demasiado difícil. Es un reto encontrar el camino para mantener tus creencias cuando compones para un coro masculino o para una orquesta de cien mandolinas.

T.M.: Tienes poca música para piano solo, o incluso música de cámara con piano. ¿Estás de acuerdo con esa afirmación?

A.D.: En realidad no. En los últimos diez años he compuesto bastante. Es cierto que el piano solo quizá no sea mi instrumento favorito, probablemente debido al peso histórico del repertorio. Además, para mí, el piano suena como parece: en blanco y negro. Pero me encanta el piano como parte de otros colores, o como el núcleo alrededor del cual giran todos los demás colores tímbricos. Siempre soñé con componer un concierto para piano, y lo hice en 2010 para el famoso pianista letón Vestard Simkus. He escrito un trío para piano, un cuarteto para piano, piezas para contrabajo y flauta y piano, un conjunto de piezas para voz y piano y, por último, dos piezas para piano a gran escala y un voluminoso ciclo para piano Octagon. Episodi e sonata. Tuvo un gran éxito, y fue compuesto para el fantástico pianista Reinis Zarins. En Letonia hay muchos pianistas fantásticos (además de cantantes de ópera, coros, directores de orquesta, etc., de fama mundial).

T.M.: ¿Tienes planes para explorar áreas y géneros que son nuevos para ti? ¿Qué proyectos tienes en marcha y cuáles son los próximos?

A.D.: Para la próxima temporada he sido seleccionado como compositor residente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Letonia. Así que recientemente he terminado la partitura de mi Sinfonía nº 2 "Viento cálido", que será interpretada por la orquesta el próximo mes de marzo. En realidad, empecé a trabajar en esta pieza sin encargo como iniciativa propia, y entonces llegó esta propuesta... Sobre mi mesa también hay una nueva pieza de encargo para quinteto de clarinete y piano, y una pieza más pequeña para marimba sola. Y sigo investigando en el campo de la música electrónica improvisada con mi "proyecto Woodpecker". Lo empecé en 2006, trabajando con varios músicos del campo de la música improvisada. Quizá sea un enfoque totalmente opuesto al de mi música anotada; también me da la oportunidad de influir en la música en el proceso de interpretación, interactuando con el público, lo que me falta cuando se interpreta mi música anotada de forma convencional. Estamos buscando conciertos en todo el mundo, así que ¡invítennos! 🙂

También tengo algunas ideas más para conciertos para instrumentos y orquesta, pero no puedo hablar de ello ahora.

T.M.: ¿Hay otras culturas musicales fuera de Europa que le atraigan especialmente? ¿Cuáles y por qué?

A.D.: Por supuesto, la música étnica es más o menos una gran fuente de inspiración para todo compositor, que se remonta a las raíces. Debo decir que, en primer lugar, estoy influenciado a nivel de las raíces por el folclore de mis Estados bálticos natales: es simplemente el ADN, la sangre. Pero siempre es interesante encontrar este vasto océano de enfoques diferentes, afinaciones no convencionales, patrones rítmicos súper complicados que puedes encontrar en la música de todo el mundo. Siempre me pregunto: si un oyente ordinario escucha música folclórica que suena de algún modo "loca", con afinaciones diferentes, patrones rítmicos no proporcionales, la percibe con respeto, pero si una música así es compuesta hoy por un compositor profesional, algunos asistentes a los conciertos la llamarían "música de una película de terror" o "totalmente enferma".

Me encantan los diferentes aspectos de cada música: ¡es tan interesante que el mundo de la música y sus manifestaciones sea tan infinito!