Terminamos con el ciclo de tres artículos en torno a la música brasileña contemporánea, a partir de una serie de reseñas de la Bienal de Música Brasileña Contemporánea, fundada en 1975. Así, Tom Moore nos dará una visión en forma de crónica de las bienales de 2003, 2005 y 2007 que permitirán al lector un mayor conocimiento sobre la creación musical de este país. En esta última prospección, nos centraremos en la bienal de 2007.

Tom Moore
1 septiembre 2020
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La 17ª Bienal de Música Brasileña Contemporánea comenzó el domingo 21 de octubre de 2007 en la Sala Cecilia Meireles, la principal sala de conciertos de Río de Janeiro, con un extenso programa dividido en seis obras orquestales, interpretadas por la Orquesta Sinfónica Nacional de la Universidad Federal Fluminense, con sede en Niteroi, RJ, y tres obras para percusión, interpretadas por el Cuarteto de Percusión Dinamo. La apertura de las festividades fue la Fanfarrona de Tim Rescala, obra encargada en 2005 para celebrar el 40º aniversario de la apertura de la Sala. Sorprendentemente para una obra que uno podría imaginar que debería tener un carácter festivo desde el principio, la pieza comenzó sin un carácter claro en absoluto, sin una declaración fuerte, sin un tono definitivo. Poco a poco la pieza fue tomando forma, hasta que en la sección final se contrastaron trozos de varias marchas familiares, etc. para el latón, con los materiales más «serios» de la cuerda en una forma que recuerda el estilo de Charles Ives.  Da Capo (2007) de Marcos Lucas fue otra obra cuya forma era difícil de percibir en una sola audición – tanto el gesto de la pieza en su conjunto, como los gestos de los momentos individuales, parecían poco caracterizados, y el clímax final tomó a este oyente, al menos por sorpresa. La obra sufría de una débil entonación en las cuerdas.

Dawid Korenchendler no fue escuchado en la Bienal de 2005, así que fue bueno escuchar su fuerte Sinfonía no. 7 (Sinfonia quasi seria). Korenchendler es venerado como un maestro del contrapunto, pero su música también revela un agudo sentido del humor, evidente en el irónico título, y en los gestos de esta sinfonía de buen humor, que representa la visita de un circo a la ciudad, una obra más fácilmente inteligible tanto en su conjunto como en los momentos individuales. Aquí una vez más la entonación de la orquesta no estaba a la altura, un hecho que se hace más evidente en los momentos iniciales de las cuerdas bajas. La Abertura Sinfônica de Rogério Krieger reveló un escritor técnicamente capacitado que trabajaba en una línea que recordaba el sonido de América del Norte – Copland, tal vez, o una partitura de película de los años 60 – no innovadora, ni brasileña, sino efectiva.

Claramente la obra más atractiva y hermosa de la noche fue Vereda (2003) de Marisa Rezende, una pieza con una voz original, que comunicaba claramente el movimiento y la emoción, y se basaba en los recursos de la orquesta, pero a través del contraste, en lugar de presentarlos todos a la vez. La escritura de Rezende es un modelo de claridad, y logró un efecto espacioso, grandioso y exaltante. La obra orquestal final fue El libro de los seres imaginarios, para piano y orquesta, de Eduardo Guimarães Alvares, haciendo un uso efectivo de los vientos, los metales y la percusión (en particular los golpes al unísono con el piano solista), y poco uso de las cuerdas. Curiosamente, ninguna de estas seis obras reveló una preocupación por producir una declaración característicamente brasileña.

La parte final del concierto, con la orquesta sustituida por la percusión, era de un mundo diferente, y podría haber sido programada más eficazmente como un concierto separado, con otras tres obras de este tipo, ya que como un solo concierto la noche ya estaría bien llena con seis piezas para orquesta. La altísima calidad de la interpretación de esta última sección también mostró las cualidades aproximadas de las comprometidas, pero no siempre convincentes, interpretaciones de la orquesta. Reflexio (2006), de Marcos di Silva, para altavoz, clarinete, cello y percusión estaba bien hecha, pero demasiado larga para la escasa cantidad de material utilizado (como dijo Bilbo «demasiada mantequilla untada sobre poco pan»).  Las piezas finales compensaron bien la paciencia de los oyentes que se habían quedado. Diálogos III (2006), de Roseane Yampolschi, estaba bien hecha y era atractiva, con la interacción visible entre los percusionistas mientras los motivos viajaban por el escenario añadiendo al placer de la escucha. Profusão 5 – Toccata (2007) de Frederick Carrilho cerró la velada con una explosión, integrando hábilmente elementos de percusión de la música popular en una obra a gran escala claramente estructurada. Tanto aquí como en los Diálogos, la actuación del Cuarteto Dynamo fue de clase mundial, y digna de una grabación en DVD. Virtuosa, y extremadamente agradable. ¡Bravo!

Lunes

Después de la apertura festiva de la Bienal el domingo, el concierto del lunes comenzó con un tono mucho más íntimo. El primero fue Insinuâncias (2006), de José Orlando Alves, una obra para dos percusionistas que examinan obsesivamente las posibilidades de unos pocos intervalos y tonos – tritones y semitonos. Alves genera tanto lirismo como una estructura convincente a partir de estos materiales limitados. El siguiente fue GRLASHODIBZNTMEV (no, tampoco sé lo que significa) de Andersen Viana para vibráfono y marimba, una obra tranquila y meditativa con armonías indeterminadas. La música de cámara que siguió, Matérias, de Marcelo Chiaretti, para tambor de lazo y flautín, fue la primera obra verdaderamente desagradable del festival, con material peatonal de los lazos que se combinaba con largos tonos del flautín, más una presencia visual que musical, dado que el lazo ahogaba todo lo que estaba en el rango bajo a medio del flautín. Memorablemente malo, pero no tan malo como para que fuera bueno. La soprano Doriana Mendes brilló en el Diário do trapezista cego de Roberto Victorio, una pieza que combina una línea vocal lírica con un lenguaje extremadamente activo y moderno para la guitarra de acompañamiento. Mendes entregó su poesía de manera impecable, con una entonación que fue absolutamente acertada. Después de una no tan memorable salida para tres percusiones (Oscuro lume, de Rogério Vasconcelos, destacando «oscuro», es decir, instrumentos más bajos y menos brillantes), vino otra obra particularmente rebarbativo, Vol – Para Stanley, de Marcos Mesquita, con material de muy poco interés extendido hasta una longitud imperdonable. Si esto fuera una novela, el lector no perseveraría más allá del primer capítulo.

La soprano Mendes fue escuchada en dos obras de similar partitura, de Fernando Riederer (Campeche no Escuro) y Marcio Steuernagel (À margem oeste deste mar eterno), para soprano, violín, trombón, piano, percusión (Riederer) o soprano, violín, trombón, trompeta, piano, percusión (Steuernagel). El primero era mucho más eficaz en cuanto que los conjuros de la voz se contrastaban con las interrupciones instrumentales, en lugar de combinarse con el conjunto. El pequeño pero hermoso sonido de Mendes no podía competir con la trompeta de barril abierto del Steuernagel, pero entonces pocas voces podían. Una elección compositiva ineficaz. La velada concluyó con una larga obra para piano (Cartas Celestes XIII de Almeida Prado), en la que el virtuosismo del intérprete (Benjamin Cunha Neto) fue más impresionante que el material, decididamente más ligado a la tierra que su programa celestial de estrellas y galaxias.

Martes

El martes por la noche en la Bienal se dedicó principalmente a la música electroacústica. El programa comenzó con «Cancões dos dias vãos XII» (Canciones de los días vacíos) de L.C. Csekö, quien ya es conocido por la cantidad de humo teatral que rodea sus piezas en las diferentes Bienales (me aseguré de sentarme bien lejos del escenario). La contribución de Csekö fue una especie de ruido-rock altamente amplificado para clarinete/clarinete bajo, guitarra eléctrica, piano acústico y percusión, con los intérpretes haciendo su trabajo en una neblina penetrada sólo por un par de rayos de luz horizontales. No se percibía ningún detalle, y parecía que todo el efecto se habría llevado de forma más convincente y teatral por una banda de death-metal.

El resto de la primera mitad fue mucho más satisfactorio. El siguiente fue el electroacústica Mas tenho consciência?… (2004) de Henrique Iwao, un apilamiento en movimiento lento de intervalos templados no iguales que se mueven a diferentes velocidades, produciendo un efecto más bien bachiano (mutatis mutandis, por supuesto, en el área de la armonía). Si la obra de Iwao era de tono barroco, ReCubos v.1.2 (2007) de Marco Campello (también electroacústica) era casi de tono operístico, con una amplitud orquestal y sonidos que sugerían latón, vientos de madera y campanas sobre un fondo que sugería profundidades acuosas. Curto Circuito (2007) de Jônatas Manzolli presentó a tres percusionistas (que llevaban faros de minero en un escenario oscuro) en una especie de lenguaje neo-primitivo, mientras que las imágenes que sugerían el arte tribal se proyectaban en una pantalla detrás de ellos. La obra recibió una cálida bienvenida de los oyentes. Concluyendo la primera mitad hubo dos obras excepcionalmente caprichosas. La primera presentaba al percusionista Sergio Freire interpretando su propia música para el controlador de la percusión, con una especie de varita mágica controlando los sonidos desde un único tambor de caja, y lo que presumo eran muestras activadas en tiempo real. La presencia de Freire, casi empollona, sus movimientos en el control de la percusión, y la propia música se combinaron para un momento memorable. Aún más fuera de lo común fue el cuarteto de percusión de Siri (nom de plume que significa «cangrejo») que siguió, con intérpretes vestidos con equipo de esnórquel sentados en el escenario con recipientes de plástico de agua delante de ellos, golpeando en ollas y sartenes medio sumergidas. Original y divertido.

La segunda mitad comenzó con dos trabajos electroacústicos más. La primera, de Daniel Quaranta, Pelos olhos de quem ve (A los ojos del espectador), trabajaba con una paleta de chasquidos, golpes y crujidos, que recordaban a un piano transformado, se movía en un momento más difuso y terminaba abruptamente. Tormenta em campos férteis (2006) de Fernando Iazzetta ganó impulso lentamente, construyendo a ritmos percusivos – el contrapunto de diferentes materiales escuchados al mismo tiempo desde diferentes puntos del espacio dentro de la sala fue muy eficaz. Para cerrar la velada se presentó otra obra casi política de Jocy de Oliveira, con un título en tupí-guaraní (Nherana), que utilizaba sonidos pregrabados de indios brasileños, combinados con motivos pseudo-indígenas del conjunto en vivo sobre el escenario – oboe, clarinete, cello, guitarra eléctrica y percusión. Viendo la cuenca de agua frente al oboe, esperé con la respiración contenida hasta el momento en que supe que vendría el momento en que el instrumento sería sumergido. No es algo que se haga normalmente con un instrumento de madera de calidad. El oboísta también fue llamado a tocar dos oboes a la vez. Había la entrada obligatoria del berimbau (ningún instrumento es más evocador de Brasil). Y el gesto final… quizás debería permanecer sin revelar, para conservar su impacto.

Miércoles

El miércoles fue un día de lluvias torrenciales en Río de Janeiro, con caídas de hasta 15 cm, con deslizamientos de tierra, túneles cerrados, calles inundadas, y el gobierno aconsejando a los propietarios de coches que los dejen en sus garajes. A la hora de comenzar el cuarto programa de la Bienal de 2007 las calles estaban casi vacías, pero sin embargo un gran número de resistentes amantes de la música lograron llegar al centro de la ciudad. El concierto se centró una vez más en las obras electroacústicas, abriendo con una pieza programática que hace referencia al asesinato del compositor Anton Webern por el soldado Raymond Bell, después de que éste saliera a fumar (Raimundo e os sinos (2007), de Marcelo Carneiro de Lima). Había muchos tonos de campana, pero de otra manera un oyente mal informado no tendría idea del contenido. En otras palabras (2005/6), de Bruno Raviaro, para saxo y piano preparado, causó una fuerte impresión, en particular la desconexión cognitiva entre la visual de la pianista Tatiana Dumas ejecutando un smash completo de dos brazos en el teclado, y el sonido que emanaba del instrumento. La salvaje ráfaga de notas que siguió acercó el piano y el saxofón más de lo que uno hubiera imaginado. Quizás el hecho de que la obra se basara en una improvisación previa significó que no mantuvo el interés de uno durante toda su duración. Metagestos (2006), de Christine Dignart, era atractiva, con un mundo sonoro que recordaba a la música por ordenador y a los sintetizadores de hace treinta o cuarenta años. A continuación, una de las obras más llamativas del festival, una pieza para soprano y cinta de Paulo Guicheney, Anjos são mulheres que escholheram a noite (2006) (Los ángeles son mujeres que han elegido la noche), con Doriana Mendes propiamente celeste, una presencia angelical entre nubes de sonido sintetizado. La obra fue dramática y de un hermoso ritmo, con la parte grabada como soporte, no compitiendo con la solista. Estesia (2007), de Rodrigo Avellar de Muniagurria, que cerró la primera mitad, combinaba armónicos de clarinete y sonidos electroacústicos de manera contemplativa, pero el ruido chocante que concluyó la pieza (una especie de puñetazo auditivo en el ojo con un palo afilado) reveló a otro compositor que encuentra difícil hacer un final convincente en este género.

La segunda mitad comenzó con Lupanar de Marcus Alessi Bittencourt, en la que los sonidos mecánicos hacían que pareciera que este burdel en particular era todo trabajo y nada de juego. El ruido de la máquina estaba puntuado por pitidos y gruñidos de fagot de registro de tenor o barítono (¿los clientes masculinos?), pero la pieza duró mucho, mucho, mucho tiempo.

El Kyrie & Gloria (2004) de Rodrigo Cicchelli Velloso que siguió fue otro de los puntos culminantes del festival, con un excelente canto del coro Sacra Vox, bajo la dirección de Valeria Mattos. Los sonidos corales se transformaron electrónicamente y tuvieron eco, y la combinación de la escritura coral (muy efectiva) y los efectos fue evocadora y hermosa.

El concierto se cerró con una evocación del mar (Maresia, de Daniel Barreiro), bien hecha, casi cinematográfica en su amplitud, y una pieza ni demasiado breve ni demasiado larga, pero con una forma orgánica. La obra final para violín y cinta de gran amplificación (Estudio de percusión V) fue más una obra de teatro (llevada con bravura por el violinista Mario da Silva) que una obra con una forma intrínsecamente musical.

Jueves

El programa del jueves volvió a los medios más tradicionales, con las responsabilidades de ejecución divididas entre el Cuarteto Experimental (un cuarteto de clarinetes formado por Batista Jr., Walter Jr., Marcelo Ferreira y Ricardo Ferreira), y las cuerdas de la Orquesta Sinfónica de la UFRJ (Universidad Federal de Río de Janeiro), bajo la dirección de André Cardoso. Las tres primeras obras fueron entregadas al Cuarteto, un grupo de músicos excepcionales que tocan al más alto nivel. Prenúncio (de um tormento) (2007) de Gustavo Campos Guerreiro comenzó lentamente (una visión lúgubre de lo que está por venir), preparándose para un estallido de patrones rápidos en las voces superiores mientras que la voz inferior continúa en su movimiento lento. Un buen trabajo. El extenso Cuarteto de Clarinetes (2007) de Thiago Sias reveló una voz impresionantemente segura y original en su escritura (particularmente para un joven de veinticinco años al comienzo de su carrera), explotando las posibilidades de los instrumentos, con un sonido predominantemente lírico. La Criatura no. 1 (2004) de Yahn Wagner (en la que se unió al cuarteto Waleska Beltrami en la trompa) también causó una fuerte impresión, en particular los ritmos motores que se combinan como un reloj, que, junto con el tono humorístico, le pareció a este oyente que se inspiraba en Stravinsky. Las cuerdas de UFRJ cerraron la primera mitad con dos obras muy contrastadas. La primera fueron las Tres Miniaturas (2006) de Murillo Santos, ligeras en dimensiones, atractivas, de buen carácter, bien hechas, conservadoras en el lenguaje.  In extremis, ad extremum (2006) de Roberto Macedo Ribeiro, un pasacalle con momentos de belleza, y una intensidad obsesiva en el magistral estiramiento y la deconstrucción final del material fue un grito angustioso que quedará en la memoria.

Después del intermedio llegó el Tres toques emotivos (2007) de Guilherme Bauer, con un difícil lenguaje cromático y contrapuntístico que llevó a las cuerdas un poco más allá de sus límites técnicos. Canauê, op. 22 (2006) de Dimitri Cervo fue considerablemente más accesible en cuanto al lenguaje, comenzando con un tema lírico sobre los trémolos de cuerda y cerrando con una sección más rápida que combinaba ritmos «brasileños» con un estilo minimalista.

La historia y la cultura del nordeste de Brasil apareció entonces con una pieza programática que reflejaba la literatura popular sobre los forajidos, Cordel no. 1: Una saga de Corisco [la historia de un famoso bandido] de Liduino Pitombeira, el lenguaje musical que se equilibra entre la accesibilidad y la modernidad, entre la abstracción y la imaginería. El programa se cerró con otra obra, esta vez explícitamente narrativa, basada en un poema de Euclides da Cunha, en el que se unieron las cuerdas del barítono Eladio Pérez-González y del flautista Eduardo Monteiro, una especie de melodrama en el que la parte vocal era mucho más parlato que cantada.

Viernes

El viernes en la Bienal fue más bien una mezcla. La velada comenzó con Levante de Rodolfo Vaz Valente, una larga pieza para clarinete solo, comenzando en el registro más bajo del instrumento y avanzando hacia arriba, en un lenguaje recortado y disyuntivo, anti-lírico, se podría decir, y difícilmente algo que se pueda bailar. Si fuera una pieza de palabrería, se podría pensar en una larga disquisición sobre un tema bastante seco. La pieza era virtuosa, aprovechando la prodigiosa técnica de Paulo Sergio Santos, pero nada de dibujo. Luego vino un ciclo de canciones, Vida fu(n)dida, de Calimerio Soares, en el que las palabras minuciosamente enunciadas del solista, Eládio Pérez-González, estaban en desacuerdo con una parte de piano más voladora, y dos canciones, Homenagens (2007), de Néstor de Hollanda Cavalcanti, celebrando a los amigos del compositor fallecido, pero en una vena íntima que no tiene sentido para los forasteros, como las fotos de la familia de otra persona. A éstas siguieron dos piezas extremadamente secas (de Rogerio Constante y de Paulo de Tarso Salles) para guitarra, que deben haber sido bien tocadas por el talentoso Paulo Pedrassoli, pero ninguna de las dos tenía ningún atractivo para estos oídos, y aparentemente se trataba de evitar cualquiera de las seducciones normales del instrumento. La primera mitad se cerró con dos obras corales pedestres, adecuadamente cantadas por el Ensamble Brasil – UFRJ, pero sin ninguna innovación en el estilo. En total, ocho piezas, sin que ninguna genere excitación.

La segunda mitad hizo que el viaje a la Sala valiera la pena. Celebró los 100 años de los nacimientos de José Siqueira (1907-1985) y Camargo Guarnieri (1907-1993), con el Cuarteto Radamés Gnattali (Carla Rincón, João Carlos Ferreira, violines, Fernando Thebaldi, viola, Paulo Santoro, violonchelo) interpretando el Cuarteto nº 2 del primero, y el Cuarteto nº 3 del segundo. La pieza de Siqueira se inspiró en la música folclórica del nordeste, particularmente en el impresionantemente bello y lírico Andante. El Guarnieri era más moderno (violentamente urbano) en sus movimientos exteriores, pero también se basaba en los modismos del Noreste en el corazón central de la obra, el Lento. La interpretación del Cuarteto en estas obras trajo lágrimas a los ojos. No hay que perdérselo.

Sábado

Mi última noche en la Bienal de 2007 fue el sábado, lamentablemente, aunque tres conciertos más me llamaron la atención, pero las responsabilidades profesionales me obligaron a volar de vuelta a los EE.UU. el domingo. En las Bienales anteriores, las festividades habían empezado el viernes por la noche, lo que significaba que los fans de fuera de Río podían volar, pasar dos fines de semana intercalados en una semana de conciertos, y volver al trabajo el lunes por la mañana. No hubo tal suerte este año, y algo que considero una mala planificación por parte de los organizadores (de los cuales, más adelante).

El programa comenzó con una obra para dos pianos (interpretada con brío por Sara Cohen y Zélia Chueke), Agua-Forte (2006), de Ricardo Tacuchian, una pieza en un lenguaje sorprendentemente conservador, con una figuración y un ritmo bastante regulares en una sección de apertura libre que dio lugar a un fugato sobre lo que sonaba como un tema «indio». Había detalles que recordaban, de todas las personas, a Gershwin.

Siguieron tres obras corales, en las actuaciones del Coral Harte Vocal. Tanto las modestas dimensiones y ambiciones de las obras en sí, como las interpretaciones del coro, reforzaron mi impresión de que la música coral en el Brasil es un área susceptible de un crecimiento considerable, y en la que los logros están todavía por debajo de lo que es la norma para otros géneros en el Brasil, y por debajo de la norma para los principales coros en otras partes del mundo. El coro, compuesto por voces jóvenes, aparentemente sin entrenamiento, producía un pequeño sonido que apenas llegaba hasta donde yo estaba sentado.

La primera mitad terminó con una pieza sustancial y bastante atractiva para un conjunto tradicional, el Cuarteto 2006 para cuarteto de pianos de Ernest Mahle, interpretado competentemente por Sara Cohen, Ricardo Amado, José Volker y Marcelo Salles. La obra es predominantemente retrospectiva y de tono lírico, con un llamativo movimiento central, Andantino cromático, interpretado sempre pp.

En lugar de terminar este panorama de la música brasileña en una nota agria, dejaré que el primero sea el último, y el último el primero. La Toccata Metal (2007) para violonchelo solista de Yanto Laitano recibió una virtuosa interpretación de Paulo Santoro, pero para estos oídos no era más que sonido y furia que no significaba nada. No puedo imaginarme querer escucharlo de nuevo. ¿El «metal» del título se refiere al «heavy metal»? Es difícil de decir. Ambicioso pero insatisfactorio fue Pathos (2006) para un cuarteto de clarinete, viola, violonchelo y piano de Bruno Angelo, con muchos unísonos que quizás pretendían ser dramáticos, pero que sobre todo demostraban que los jóvenes músicos eran incapaces de tocar afinados, en particular el lamentable violonchelo, insoportablemente fuera de su registro alto. ¡Ay!

Mucho más gratificantes fueron las dos obras que abrieron el segundo tiempo, Celebração (2006) de Maria Helena Rosas Fernandes, bastante original en voz y tono oscuro, con un programa religioso, pero que no era normalmente audible en la música, excepto por la evocación de voces de animales en el inicio Cântico das criaturas. Particularmente llamativo fue el Paisagem do inverno (Paisaje del invierno) (2006), de Harry Crowl, bellamente interpretado por Batista Jr., clarinete, Vinicius Amaral, violín, y Luciano Magalhães, piano, evocando primero las tormentas invernales, y luego una fría, pero más tranquila, calma, con una sección armónicamente estática que conduce a un largo, largo, largo adagio final, magistralmente capturado por el trío. ¡Cautivante!

In Closing

Algunas reflexiones finales: cada Bienal revela la riqueza de la composición de la música contemporánea en Brasil, pero también me hace ver lo poco que esta hermosa música es conocida internacionalmente. La Bienal debería ser una oportunidad para que el país muestre al mundo lo mejor de lo que produce, no sólo una oportunidad para que los compositores e intérpretes se conozcan. Para que la Bienal cumpla una función más amplia, necesita tener una base organizativa y financiera más firme, una base que permita que el festival se programe con años, en lugar de meses, por adelantado, y debe hacer un esfuerzo concertado para atraer a los amantes de la música de todo el mundo para que la visiten, incluida la prensa internacional. Es sorprendente cómo la propia prensa brasileña puede ignorar este importante evento, sin cobertura previa, y casi sin reportajes sobre los conciertos del festival. La música en Brasil es vital –los compositores e intérpretes de este festival estaban casi todos en sus cuarenta, treinta, veinte años- y comunica, pero necesita ayuda de los medios de comunicación para hacer llegar su mensaje.

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