Crónica de un festival brasileño: Compositores de Hoy

La tercera edición (4-8 de noviembre de 2015) del Festival Internacional Compositores de Hoy se inició el miércoles por la noche en el CCJF [Centro Cultural - Justicia Federal] en el centro de Río de Janeiro. A diferencia de muchos otros eventos culturales en Brasil, este festival es el resultado de la iniciativa privada - la idea del compositor Sergio Roberto de Oliveira, también la fuerza motriz detrás de la cooperativa del compositor Prelúdio 21. También tiene un enfoque explícitamente internacional. Este año hay compositores y conjuntos representados de Inglaterra, Francia, Corea del Sur y otros países, así como de Brasil.

5 de noviembre

El evento de apertura presentó obras electroacústicas curadas por el compositor local Marcelo Carneiro, de UniRio, quien seleccionó seis piezas interrelacionadas pero contrastadas. La mayoría de las obras se mantuvieron alejadas de los modismos musicales tradicionales, creando en su lugar paisajes sonoros imaginativos y evocadores. Como piezas de arte contemporáneo, los títulos nos dan un sentido de cómo dirigir nuestras visiones de lo que el compositor está tratando de evocar. La primera obra, Counterattack [Contraataque], de Adrian Moore (Reino Unido), presenta sonidos que evocan imágenes de la guerra moderna o futura - mecanismos, y secundariamente, voces fantasmáticas. La siguiente fue Corvos Hamarikyu de Paulo Dantas (BR), representando cuervos (¿en el jardín de Hamarikyu en Tokio?). Impresionando a todos con los que hablé fue Ashram, de Ricardo dal Farra (AR), lejos de la tranquilidad - mejor dicho, una horrible y fea cacofonía del Infierno (¡y lo digo en el buen sentido!), en primer plano los dementes sonidos de un instrumento parecido al saxo acompañado de drones electrónicos. Flows in the Megamachine (the body vomits the vertigo) de Jose Ricardo Neto (BR) ofreció silbidos de sonidos de tráfico, en un estilo como el de Paul Lansky (parte de la diversión es tratar de identificar las influencias y programas usados para ayudar a procesar los sonidos). Summer Anthem [Himno de Verano], de Robert Bentall (Reino Unido), comenzó con una tríada real y consonante (!!!) de un instrumento punteado, luego se combinó en cuatro pistas, y gradualmente se transformó de estructuras "musicales" a electroacústicas. El gran final fue wasdyslexicentropiconfusedaandloud de Caeso (BR), una pieza para guitarra y electrónica en vivo, en la que el intérprete/compositor creaba nubes de sonido cada vez más complejas a partir de su instrumento, que era sólo una parte subsidiaria del efecto total. Todas las piezas estaban en el rango de los diez minutos, todas altamente efectivas, bien construidas, interesantes, una experiencia intrigante, y con un excelente y claro sonido del equipo de producción. Fue un verdadero placer. Felicitaciones a todos los participantes.

6 de noviembre

La segunda noche para Compositores de Hoy ofreció un programa centrado exclusivamente en compositores norteamericanos, y dio a los oyentes una idea de la fuerza y la profundidad de la música contemporánea en los Estados Unidos. El solista fue el flautista Douglas Worthen, profesor de la Universidad del Sur de Illinois [SIU], en lo hondo del corazón americano, es decir, lejos de cualquier ciudad importante. El programa y la actuación de Worthen fue del más alto nivel, digno de atención en cualquier gran metrópoli - o, como nos gusta decir, de clase mundial. Impresionante, también, fue el hecho de que la mayoría o todas las piezas eran encargos.

Primero fue una pieza extendida en un largo movimiento para flauta y cinta pregrabada - El dolor, como el placer, crea su propia atmósfera (2003), de Gene Pritsker. Esta pieza presentaba una línea de jazz para flauta sobre una pista funky para bajo y percusión, con la flauta tocada con brío por Worthen - un saludo apropiado a Brasil. La siguiente fue una pieza más clásica de Kim Sherman, pero aún conservando un sentimiento de danza, con un animado 7/4. Aquí y en la pieza final, Worthen fue acompañado por la pianista Junghwa Lee, también de la SIU.

Luego escuchamos una pieza extendida de tres movimientos para flauta sin acompañamiento, Pipe, de Frank Stemper, compositor de la SIU, que para mí fue la obra más profunda y sentida de la noche, especialmente en el movimiento del adagio central, donde Worthen mostró su dominio de la línea larga. Al final de la velada estaba la Primera Sonata para Flauta de Martin Amlin. Amlin es un pianista consumado, y Lee jugó el papel desafiante con destreza y un toque maravillosamente ligero.

Un fuerte aplauso llamó a Worthen para un bis - una breve pero picante improvisación para la flauta solista. ¡Bravo!

7 de noviembre

El viernes por la noche en Compositores de Hoy trajo un regalo muy inusual: música de piano de Corea, ofrecida por Jungwha Lee, un nativo coreano que está en la facultad de música de la Universidad del Sur de Illinois. La cultura y la cocina coreanas son cada vez más conocidas en EE. UU., pero no su música. Este recital fue el primero centrado en Corea que he escuchado en toda una vida de conciertos.

Lee proporcionó comentarios detallados sobre las dos primeras obras desde el escenario. Nory (Juego), de Kyung­Jung Kim, fue una obra predominantemente lenta y sombría, que refleja el sufrimiento infligido a Corea como lugar de guerras por invasores del este y el oeste. El rocío del océano I, de Sun­Hee Cho, fue en seis movimientos, a menudo monocromáticos y usando líneas melódicas no acompañadas. Destacaba el quinto movimiento, una especie de fantasía en una nota repetida. Ambas obras tenían pocas o ninguna influencia audible de la música occidental. El paisaje sonoro cambió para los Tres Esbozos de JuHwan Yu, cuyos títulos de movimientos franceses reflejaban un modismo musical francés, tal vez más identificable como Ravel. Manteniendo un punto medio entre estos dos polos estaban las Tres Proyecciones de ChulIk Hwang, con títulos en coreano, concluyendo con Maewha (mina terrestre), cerrando así el círculo, quizás para el trabajo de apertura del programa. El juego y la técnica de Lee son impecables. Escuché más tarde que había estado entrenando sus tonos magistrales con un instrumento muy recalcitrante - uno nunca lo habría sabido.

Aplausos para el festival por ofrecer este concierto que ciertamente abrió muchos oídos.

8 de noviembre

Cualquiera que sea o haya sido cantante sabe que los conciertos de voces no acompañadas son difíciles de vender, sin importar el repertorio. Sin embargo, Les Voix de Stras, un conjunto de voces femeninas solistas de Estrasburgo, atrajo a un público numeroso y entusiasta al penúltimo concierto de Compositores de Hoy el sábado por la noche. El grupo está compuesto por seis cantantes (Ariane Wohlhuter, Claire Trouilloud, Magda Lukovic, Rebecca Lohnes, sopranos, Gayanee Movsisyan, Angela Loesch, mezzo-sopranos) dirigidos por Catherine Bolzinger. Ofrecieron una selección internacional de siete obras, diversas, pero con notables similitudes. Alma, de Sergio Roberto de Oliveira, pone música a un poema de Mario Quintana, Operación Alma, con un lenguaje musical con reminiscencias audibles de Ligeti, empezando con un unísono que luego se desarrolló a través de una serie de fuertes disonancias en la vocal "A", hasta que finalmente una soprano declamadora apareció desde fuera del escenario para recitar el poema en francés....luego el cuarteto, antes sin palabras, comenzó a cantar el poema original en portugués. La interpretación fue, como muchas de las que siguieron, exquisita.

La mayoría de las obras del programa tenían un alto nivel de disonancia (las tríadas consonantes eran escasas), y los vocalistas usaban diapasones para mantenerse en su sitio. Tal perfección en un programa prolongado es rara. Varias de las piezas eran de compositores jóvenes y aún no conocidos que las habían compuesto específicamente para el conjunto - Lionel Ginoux (un estreno mundial), Clara Olivares, y Nikolet Burzinska. El compositor Iván Solano (también escuchado en el clarinete obligato en la pieza de Olivares) contribuyó con un grupo de poemas en cuatro idiomas, incluyendo el conocido "¿Cómo te amo?", todos por mujeres poetas. El programa concluyó con una pieza más ligera y fácil con un texto divertido, y un fuerte ritmo, Three Heavens and Hells [Tres cielos e infiernos], de la compositora americana Meredith Monk, cantada de forma bella y efectiva, dejando al público eufórico, y ganando al conjunto una fuerte y larga ovación. Les Voix volvieron a cantar un bis de Ligeti, Canon. Un programa memorable.

9 de noviembre

La tercera edición de Compositores de Hoy llegó a una conclusión entusiasta el domingo por la noche con una velada de obras para guitarra solista de compositores brasileños contemporáneos, ofrecida por el guitarrista Fabio Adour. Los rumores ya me habían informado que Adour era un artista de clase mundial, con habilidades que merecen una carrera global, y los rumores eran correctos. Comenzando el programa con una explosión, Adour presentó la obra más antigua de la noche, el Percussion Study II (1994) de Arthur Kampela [BR], que exploraba técnicas extendidas, incluyendo el uso de la cuchara y la pluma (piensa en la guitarra de cuello de botella). Fue un verdadero espectáculo virtuoso para la guitarra acústica, recordando la pirotecnia de Jimi Hendrix.

El resto del programa no fue tan desenfrenado. El siguiente fue la Paráfrasis II (2010) de Ricardo Tachuchian, una de cinco dedicadas a los guitarristas brasileños, usando materiales del concierto de guitarra del compositor, y en este caso basada en motivos de tríadas descendentes. La Fantasía (2015) de José Orlando Alves reflejó la fascinación del compositor por el tritono, y utilizó la scordatura, con las cuerdas más bajas afinadas (creo) a un tritono, DG#, permitiendo una variedad de acordes inusuales y disonantes. A continuación, un trabajo más extenso en tres movimientos, las Brechtianas (2010), de Rodrigo Marconi. Todos estos fueron trabajos fuertes e interesantes en modismos abstractos. Algo más que refleja los estilos de la música popular brasileña fue Angra dos Reis, de Marco Lucas, que representaba una noche en el balneario costero con varios tipos de música (rock, jazz, pop) chocando y combinando, pero todo con un ritmo quíntuple que los unía.

Después de un breve intermedio, Adour ofreció el estreno mundial de Garatujas de Mario Ferraro, en tres movimientos, basados en las ideas de movimiento de Labán, en un lenguaje muy moderno. Igualmente desafiante fue la Pentalogia (2000) de Alexandre Eisenberg, en cinco movimientos contrastantes, con el movimiento del centro, marcado Amago (núcleo), muy lento, y explorando los armónicos, y el Finale comenzando lento, y terminando con una sucesión de acordes muy rítmicos.

Sergio Roberto de Oliveira, el creador y planificador del festival, agradeció a la multitud reunida, la más numerosa de la semana, fue ricamente reconocida por una ovación de pie, y prometió que el festival volvería en noviembre de 2016. Planea estar allí! Esta es una contribución fundamental y necesaria para la vida musical brasileña e internacional, reuniendo a músicos de todo el mundo para hacer nuevas conexiones.

Epílogo

Lamentablemente, no habría más festivales en esta serie. Se puede ver en retrospectiva en la foto de abajo que Oliveira ya estaba sufriendo los efectos del cáncer de páncreas que sería diagnosticado varios meses después, a principios de 2016. Después de 18 meses de batalla, dejó este mundo el 19 de julio de 2017.

Stefano Aguiar

Ricardo Tacuchian, Sergio Roberto de Oliveira, Fábio Adour (guitarra), Rodrigo Marconi,
Mário Ferraro, Alexandre Eisenberg y Marcos Lucas